トライアローグ 語らう20世紀アート ＠横浜美術館
横浜美術館はこの展覧会を終了すると、2021年3月1日（月）から大規模改修工事にともない長期休館に入る。
親しみのある地元の美術館に行けなくなるのは寂しくて、見納めのような気持ちで本展に出かけた。
コロナ禍で海外との往来が不自由になってしまった今、美術館の役割も色々と変わらざるを得ない。
例えば海外から作品を借り入れての展覧会を行うことがほとんどできず、各館はさまざまに企画を工夫しているようだ。
この「トライアローグ」もその一つで、横浜美術館・富山県美術館・愛知県美術館の3館がタッグを組んでそれぞれの所蔵品を持ち寄って巡回展を開いた。
それぞれ20世紀西洋美術というキーワードのもとに集めたお宝を一堂に会すると、まさに壮観だ。
海外からお金をかけて作品を呼び寄せなくても良いんじゃないだろうか。なぜこのような企画が今までなかったのだろうか。コロナで失った大切なものは数多いけれど、知恵を出して得たものも多かったのかもしれないと、思う。
ピカソから展示がはじまるところから、ドキドキは止まらない。
全く異なる作風の4枚の女性は、ピカソの天才性を現わす。私は《肘掛け椅子の女》（1923年、富山県立美術館蔵）をうっとりと見る。モノクロの静かなたたずまい。柔らかな白の絵具が女性を照らす光をなぞる。少ない筆数だけで女性の柔らかな体のまろみを表すなんて、なんという画力なんだろう。左上に記された赤い絵の具のサインが小粋だ。
ジャック・ヴィヨンの《存在》（1920年、愛知県美術館蔵）は、「構造的分解」により分解された人物。それは偉大過ぎる父の存在で、右にあるその影は息子のよう。息子は父の大いなるその存在に、自らの存在を図形の下方へ奥深く沈めていくしかないような悲しみを感じる。それは父と子というより、虚構と実なのかな。おそらく形（存在）の追求を極めたに過ぎない作品に、少し思い入れが過ぎただろうか。
人びとは暗い色調の《少女が見た湖の夢》（マックス・エルンスト、1940年、横浜美術館蔵）の前を一瞥して通り過ぎていく。私はなぜか惹かれて、結界のぎりぎりに立ち、この画面を探索する。暗い部屋に暫く居ると徐々に目が慣れて、鮮明に見えるように、この画面に描かれている怪物たちが見えてくる。鋭い爪、恐ろしい形相の怪物たち。右下に裸体の少女がここから逃れようとしている。しかし少女もまたこの暗い湖畔の森の色に今まさに同化せんとしている。少女は、この夢から覚めて慄いたのだろうか、泣き叫んだのだろうか。
ポール・デルヴォーに登場する女性たちはみな不思議だ。どれもマネキンの様に妙に永遠だ。《夜の汽車》(1947年、富山県美術館蔵)の3人の女性もきっと永遠にそこに、そのまま居るだろう。3人の視線は交わらず、きっと言葉も交わさない。開いた眼には何も映らないだろうし、瞬きもしない。待合室だというこの部屋は、夜の汽車で運ばれた男を待つ部屋なのだろうか。右手の女性が持ち上げた乳房を、やって来た男が愛撫したところで、彼女は身じろぎもしないだろう。
横浜美術館は、2月28日まで。
その後、愛知県美術館（4月23日～6月27日）、
富山県美術館（11月20日～2022年1月16日）と巡る予定だ。
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「桑久保徹 A Calendar for Painters without Time Sense.12/12」 ＠茅ヶ崎市美術館
茅ヶ崎市美術館で2月7日まで開催されている「桑久保徹 A Calendar for Painters without Time Sense.12/12」 を観に行った。
現代に生きる桑久保徹が12人の巨匠のアトリエ（スタジオ）をイメージして描いた12枚の作品を「カレンダーシリーズ」として展示した本展。
出品リストは下記の通り
1月：パブロ・ピカソのスタジオ
2月：エドヴァルド・ムンクのスタジオ
3月：ヨハネス・フェルメールのスタジオ
4月：ジェイムズ・アンソールのスタジオ
5月：ポール・セザンヌのスタジオ
6月：ピエール・ボナールのスタジオ
7月：ジョルジュ・スーラのスタジオ
8月：フィンセント・ヴィレム・ファン・ゴッホのスタジオ
9月：デイヴィッド・ホックニーのスタジオ
10月：ルネ・マグリットのスタジオ
11月：アメデオ・クレメンテ・モディリアーニのスタジオ
12月：アンリ・マティスのスタジオ
この12人のチョイスはなかなか趣味がいい。
すべて同じサイズのカンヴァスで181.8×227.3cmという大迫力である。
その大きな画面に海の風景が描かれており、その風景の中にそれぞれの作家の作品と彼らのアトリエ周辺にあったであろう持ち物が無数に描き込まれている。
それを12枚の「カレンダー」という形態でまとめたのは、桑久保にとって部屋に飾る「名画カレンダー」の存在が身近な絵画鑑賞体験であったからだという。
コロナ禍での開催の為か、平日に来館した為か、美術館にいた鑑賞者は10人足らず。
展示室は私一人になる瞬間が何度もあり、大画面が並ぶ空間を自由に立ちつくし、また行きつ戻りつできる時間はなんとも贅沢だ。
なにしろ細かい描き込みに圧倒される。
中には数センチほどの中に名画が見事に模写されているその画力は素晴らしいものだ。
美術ファンなら自分の好きな作品を画面の中から探し出すのは、宝探しの様にワクワクするだろう。
例えばピカソの《アビニヨンの娘たち》やムンクの《叫び》という代表作が見つけられなかったのだけれど、なぜ桑久保がそれぞれの作品を描き、また描かなかったのかと考えるのも楽しい。
海の風景もそれぞれの巨匠たちの内面を思わせるようだ。
スペインからフランスに渡ったピカソの永遠に越えられないような寒々とした海。
対岸の華やかな夜景に憧れながら、暗闇に孤独なスポットライトが当たったようなゴッホの浜辺。
砂漠の様に乾いた暑い砂の向こうに遥かなオアシスを渇望するかのようなモディリアーニの海。
閉じ込められた部屋の中から見える桃色に輝く夕焼けに輝く美しいマティスの波間。
まるで巨匠たちの心の中のアトリエを訪問しているようだ。
この展示室にいて、桑久保のフィルタを通した巨匠たちといつまでもいつまでも対話していたいと思わせる展示であった。
この図録もマットな紙質の印刷と沢山遼の対談（個人的に沢山氏のファンなので、余計）が掲載された洒落たものだ。
ただ、印刷された作品では、作品本来の持つ絵具の盛り上がりの迫力や色気のある艶やかさが失われているのは残念。
ぜひ、美術館で堪能してほしいところ。
桑久保の個展が開かれるのは公営の美術館としては初の試みという。
天晴、地元の美術館。
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わかりやすいアートなんて
一年ぶりになるでしょうか。
おひさしぶりです。
やっと修士論文を書き終えたので、マイペースで駄文を綴っていこうと思ってます。
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さて、少し前になりましたがNHK「日曜美術館」で「STARS それぞれのデビューから現在」が放映されていましたが、ご覧になりましたでしょうか。
そこで、村上隆氏と李禹煥氏の対談があり、ヘドバンして同意しました。
近年の日本は、「解りやすくさせなきゃいけない」という風潮がある事、専門家が自分の専門で戦うことを辞め入門書ばかり書いている事、それが文化をだめにしているということをお二人が話していました。
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「みんなのためのアート」的なトークや「だれでも楽しく気軽にアートが作れるよ」的なワークショップがあるのですが。
確かにそういうの、楽しいし、否定はしないけど。
それって「アート」？かな。
「アートごっこ」、でしょ。
芸術を英語でいうとアートだけど、ニュアンスとして芸術＝アートじゃないよね。
とある公的な団体で、著名な講師の先生から対話型鑑賞の講習を1年間受けて、ボランティアを始めたのだが、挫折して、辞めた。
子どもでも、先入観なく、楽しく、好きなように、自由に、鑑賞をして、自分の意見を好きなように言うことを応援しよう！
というのが、私、ダメだ。
芸術作品（アートとはあえて呼ばない）は、その作家が死ぬくらい考えて、気が狂いそうなぐらいの集中力で、作り上げた作品。
作者の手からリリースされたら自由になるよ、というのはわかるけど。
そんな扱いでいいんかい？
たった5年間だけど美術史を学んでみた経験から、作品の社会的背景、芸術的なコンテクスト知った方が、ずっとずっと豊かに楽しく鑑賞ができることがわかったよ。
どうして日本の美術教育は、それを学ぶ機会を奪っちゃうんだろうか。
ボランティア仲間にそれについて議論吹っ掛けたら
「みんながあなたみたいにおべんきょうがすきじゃないんだよ。」
「子供たちはおべんきょうというだけでアレルギー反応出る子もいるんだよ。」
と言われてしまったよ。
その飲み会で喧嘩をしたくなかったから、持論ひっこめたけど。
それはおべんきょうの楽しさを教えられない大人の責任じゃないか。。。と思う。
そもそもさ、芸術って選ばれた富裕層、知識人のためのものじゃなかったのか？
平等に、誰にでも、開かれた、楽しく、易しいアート。
なんか、それって胡散臭いぜ！
って思わない？
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クリスチャン・ボルタンスキー＠国立国際美術館
国立新美術館で行われていた当展。
話題になっていたのは知っていたけれど、見逃してしまった。
たまたま来阪していたので、行ってみた。
批評を読んでも、ボルタンスキーについての予備知識がなかったので、どんな展覧会であるか予想がつかず。それもまた良しとして、とにかく素の状態で観てみようと思った。
入口を入ると薄暗い世界に電飾が待ち構えていて、右手には苦しむ男性の姿が映し出された映像。
置かれたヘッドホンを付けてみると、激しく咳き込む音が聞こえる。
私も咳喘息を持っていた経験があるが、咳がひどくなると「死んでしまうのではないか」という不安感に襲われる。
ただでさえ、他人の咳音を聞かされるというのはとても不快なのに、体験から来る恐怖感が「これより先はきっと危険ゾーン」という警鐘を鳴らす。
そしてその先は、モノクロの写真の世界が降り注いでくる。
なぜだろう。それらの写真を一見しただけで、ホロコーストの悲劇であると直感する。
古いガラス窓から覗いたようにぼやけた焦点。ユダヤ人特有の顔立ち。
家族と、恋人と、笑い合う写真の主人公たちは、きっと今この世にはいないのだろう。
インスタレーションのあちこちに灯る黒いコードの先の豆電球は、長い人類の歴史の中に、一瞬だけ灯る命なのだろうか。
圧巻は、この大量の衣服が吊るされた壁面。
持ち主を失った服飾品とは、なんと雄弁なのだろう。これを纏っていた人々はどこへ行ったのか、そしてこれらを脱いだ彼らは今、何かを纏うことができているのだろうか。それはまるでアウシュビッツで山積みになった眼鏡の写真を思わせ、恐怖の沼へ引きずり込む。
スイス人たちの顔写真が張られた金属製の箱が整然と並んださまは、死人とはこうやってこの世から整然と整理されて忘れられていくのだということか。
暴力的な表現があるわけではない。しかし会場に響く心臓音の中で、生のすぐ隣にありながら、封印している死への扉が開かれ手招きされているような本展。
私にはとても恐ろしく、早くここから立ち去りたい気分にさせられた。
しかし、それは「ここへ来なければよかった」というのとは、また違う。
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誰も傷つけない表現とゾーニング
表現の自由と「誰も傷つけない表現」という難しい議論があるようです。
ここで私自身の経験から少しお話してみたいと思います。
私には15年ほど前、大変身近な人を海の事故で亡くしたという経験があります。
大好きだった海を見るのもつらい心理状況が長く続きました。
海は「誰もが癒される場所」であると捉えられがちですが、その当時の私にとっては「とても傷つく場所」でありました。
テレビで海のシーンがあるとそっとチャンネルを替える日々が続きました。
当時「海猿」という映画がヒットしていて、巷に氾濫する映画の情報から身を守るのに苦労をしたことを記憶しています。
私の事情を知らない知人が海に行って楽しかったという話を聞いている間に、つらい思い出がフラッシュバックして震えが止まらなくなったこともありました。
海という一見何でもない表現は、私を傷つけるものとなっていました。
そして2011年3月11日。日本中が悲しみに包まれる出来事が起こりました。
その時の海は「誰もが傷つく場所」となりました。
あの時、海という表現はとてもセンシティブな扱いとなりました。
サザンオールスターズの名曲である「TSUNAMI」も微妙な立ち位置になりました。
その一連の動きを見ていて、私は少し遠い心で「私だけが傷ついた時」は誰もケアしてくれなかったのに、「誰もが傷ついた時」には、丁寧に扱ってくれるものなのだな。と感じていました。
今年も3月11日が近づいてきました。報道はゾーニングの配慮をしているように思えます。
あの日の出来事が未だにつらい方の為にフラッシュバックが起こりそうな場面の前には予告画像が入ります。
それはとても良い配慮だと思います。
出来る限り傷つく人が出ないように予測して、思いやりが持てる世の中は、本当に素晴らしいと思います。
しかし「誰も傷つけない表現」なんてあり得るのでしょうか。
「傷つくこと」は、一人ひとり固有で多岐にわたるものです。
「誰もが」と言い切れる根拠を持つ自信は、私にはありません。
人は傷つきながら生きるのではないでしょうか。
そしてその傷を癒しながら進もうとすることが、まさに生きて「いく」ということではないでしょうか。
確かに表現の制限も必要ですが、制限は束縛という言葉に置き変わるという危険性はないのでしょうか。
ゾーニングも大切ですが、ゾーニングで守り切れない部分もあります。
傷つけられた相手を責めることも一つの方法ですが、瘡蓋を作ろうとする強さを身につけることもまた一つの方法ではないかと思うのです。
「優しさ」が「易しさ」であるとしたら、深みのない世の中になってしまいませんか。
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私も会田誠先生の講義を受講しましたが・・・？
昨年、私が通信で学んでいた（卒業見込みなので「いる」かな？）大学が主催した「芸術の永遠のテーマ『ヌード』を通して美術史を知る 人はなぜヌードを描くのか、見たいのか。」というテーマの５回完結のオープン講座を受けました。
１回ごとに篠山紀信氏、鷹野隆大氏など著名なゲスト講師が招かれました。何よりも会田誠氏のお話が聞けることが楽しみでした。
会田誠氏の「犬シリーズ」「美味ちゃんシリーズ」がなぜ現代アートとして評価を受けているか。正直なところわかりません（でした）。
同性として、女性が凌辱されているような作品は不快です。
でも、それは私の感性。評価を受けて居るのにはそれなりの理由があり、芸術を学んでいる限り「好きか嫌いか」を超えて「解らねばならない」という思いがあったからです。
会田氏の講義は、大変興味深かったです。
たしかに一連の作品が好きかと言えば、やはり不快な気持ちは拭えない。けれど会田氏は、エログロを「嫌われるだろうことを予想された上で」制作しているという部分で、確信犯的な、エロとは？グロとは？を問題提起していて、やはり現代アートとしてそこが評価されている部分なのだ。その潔さを私なりに了解できた有益な講座でありました。
また鷹野氏の講義も、現代の「腰巻き事件」ともいえる愛知県美術館の顛末について伺うことができ、芸術と猥褻の境界について、個々の感受性や誰かがそれを統制をすることの怖さ、またそれを逆手に取った問題提起の巧妙さなども学ぶことができたのです。
他のゲスト講師もそれぞれの専門に沿って「ヌード」という永遠のテーマを明快に語ってくださり、とても有意義な５回の講座でした。
講座終了後数カ月たったある日、全講座をコーディネートされた鈴木芳雄氏にお会いする機会があったので、素晴らしい講座を企画してくださったことにお礼を申し上げる事ができました。
その際、鈴木氏は少々浮かない顔をされ「ああ、あれね。もうやらないよ。ちょっと色々あってね。」とおっしゃったのでした。
「色々」って一体何だろう？
私と一緒に受講した友人たちもとても感動していたし、受講できなかった友人たちは「来年はぜひ受けたい」と言っていたのに。とその時は釈然としない思いが残ったのでした。
つまり、「色々」ってこれだったのですね。
2019.3.6 追記
鈴木氏から「色々」についてのご説明がありました。↓
https://twitter.com/fukuhen/status/1103077094467072000?s=21
この講座のシラバスです。
この一件、私はこう思います。
「学生がシラバスを読んで受講するのは当然。講師がどのような経歴か未知であれば、申し込みをする前、少なくとも受講前には調べておくことは、受講者として最低のマナーである。」
という点で、彼女が「物言い」をいうのはルール違反です。不勉強を恥じねばなりません。
「芸術を学問とするならば、自分の感性とは別の冷静さを持ってジャッジをしなければならない。」
というのが私の信条なので、その点から彼女は「アート好きな女子」で留まるべきで、学問の領域に立ち入るべき人ではないと思います。
また、一方で大学側も全くポリシーがない対応だったと感じます。
彼女がここで語っている通り学校側が「セクハラを受けた事実を認めた」のなら、残念なことです。学校は、「これは芸術論であり、セクハラではない。」と毅然として居るべきだったと思います。
そして「校舎の立ち入りや学校関係者との接触を禁じる」のではなく、「あなたは芸術を学問として捉えることに未熟であるから、もっと多くの講師に接して学びなさい。」というのが、教育機関としてあるべき姿だったのではないかと思うのです。
彼女の感性が、以後の学生からあのように「ぶっ飛んだ素敵な講義」を受講する機会を奪う権利ってあるのかなぁ。
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今年の展覧会ー観たもの、行ったもの
今年もあと3日。
年末年始休暇に入る美術館もチラホラ。
今年の美術館詣では打ち止めだと思うので、ここで総決算。
今年行った展覧会（アートシーン）。
一体いくつ？数えてみました。
◎は、純粋に良かったもの。
〇は、気軽に行ったら期待以上だったもの。
1. クインテットⅣ ＠東郷青児記念損保ジャパン日本興亜美術館
2. 装飾は流転する ＠東京都庭園美術館
3. 堀文子展 ＠神奈川県立近代美術館葉山 〇
4. ヌード展 ＠横浜美術館 ◎
5. FACE 2018展 ＠東郷青児記念損保ジャパン日本興亜美術館
6. 熊谷守一展 ＠国立近代美術館 〇
7. 青山義雄展 ＠横須賀美術館 〇
8. プラド美術館展―ベラスケスと絵画の栄光 ＠国立西洋美術館
9. 東西美人画の名作 《序の舞》への系譜 ＠東京藝大美術館
10. 時代を語る―林忠彦の仕事 ＠富士フィルムスクエア 〇
11. 至上の印象派展ビュールレ・コレクション展 ＠国立新美術館
12. セビージャ美術館 ＠セビージャ 〇
13. ピカソ美術館 ＠バルセロナ 〇
14. プーシキン美術館展―旅するフランス風景画 ＠東京都美術館 〇
15. 藤田嗣治 本のしごと展 ＠目黒区美術館 ◎
16. 横山大観展 ＠国立近代美術館
17. 夢二繚乱 ＠東京ステーションギャラリー
18. 長谷川利行展―七色の東京 ＠府中市美術館 ◎
19. ミラクルエッシャー展 ＠上野の森美術館 ◎
20. ルーブル美術館 ＠国立新美術館
21. うるしの彩り展 ＠泉屋博古館
22. 大原美術館
23. 岡本神草の時代展 ＠千葉市美術館 ◎
24. 小瀬村真美：幻画―像の表皮 ＠原美術館 〇
25. ショーメ 時空を超える宝飾芸術の世界 ＠三菱一号館美術館
26. 金魚絵師 深堀隆介展 平成しんちう屋 ＠平塚市美術館 〇
27. ミケランジェロと理想の身体 ＠国立西洋美術館
28. チームラボボーダレス ＠お台場
29. 巨匠たちのクレパス画展 ＠ 東郷青児記念損保ジャパン日本興亜美術館 〇
30. 落合芳幾 ＠太田美術館 〇
31. キース・へリングが愛した街表参道 ＠表参道ヒルズ
32. 国立民族学博物館蔵貝の道 ＠神奈川県立近代美術館葉山館
33. 絵ってとまっているのかな ＠神奈川県立近代美術館
34. フェルメール 光の王国展2018 ＠そごう美術館
35. 水を描く ＠山種美術館
36. イサム・ノグチー彫刻から身体・庭へ ＠東京オペラシティアートギャラリー ◎
37. モネ それからの100年展 ＠横浜美術館
38. 藤田嗣治展＠東京都美術館 ◎
39. ジョルジュ・ルオー 聖なる芸術とモデルニテ ＠パナソニック汐留ミュージアム 〇
40. ピエール・ボナール展 ＠国立新美術館
41. 横山崋山＠東京ステーションギャラリー 〇
42. マルセル・デュシャンと日本美術 ＠東京国立博物館 〇
43. フェルメール展 ＠上野の森美術館
44. エキゾティック×モダン アール・デコと異境への眼差し ＠東京都庭園美術館 〇
45. 小倉遊亀展 ＠平塚市美術館 〇
46. ムンク展 ＠東京都美術館 ◎
47. ルーベンス展 ＠国立西洋美術館
48. Lines－線をめぐる表現 ＠平塚市美術館
49. 小原古邨 ＠茅ヶ崎市美術館 ◎
50. ウィーン万国博覧会展 ＠たばこと塩の博物館 〇
51. 東山魁夷展 ＠国立新美術館 ◎
52. アジアにめざめたら ＠国立近代美術館
53. 国立トレチャコフ美術館所蔵ロマンティック・ロシア ＠bunkamuraザ・ミュージアム
54. バレエー究極の美を求めて ＠そごう美術館
55. 皇室ゆかりの美術―宮殿を彩った日本画家 ＠山種美術館
56. サラ・ベルナールの世界 ＠アルフォンス・ミュシャ美術館 〇
57. さかい利晶の杜
58. 太陽の塔 内部入館
59. 国立民族学博物館
60. 江之浦測候所 ◎
61. 吉村芳生展 ＠東京ステーションギャラリー ◎
62. 花魁ファッション ＠太田記念美術館 〇
63. 土田泰子展 導～ Whereʼ s a will,thereʼ s a way ＠平塚市美術館
64. 所蔵作品展 5感＋1つの感性 絵を見ておしゃべりしよう！ ＠平塚市美術館
65. 越中正人「つまり”please"/Please let me…」 ＠nca nichido contemporary art
来年も素晴らしいアートシーンに出会えますように。
良いお年をお迎えください。
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