モンドリアン展 @SOMPO美術館

かつてモンドリアンの絵の様なドレスがあったな、と調べてみたら
1965年のイブ・サンローランの作品「モンドリアン・ルック」のことだった。

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黒い直線に赤・青・黄の四角。
モンドリアンといえばまさにこれ。

 

今回の展覧会に展示された下の作品も一連の作品の一つだけれど、《大きな赤の色面、黄、黒、灰、青色のコンポジション》というタイトルだと、モンドリアンが何を考えてこの作品を描いたのか、そしてどうしてまたこんな線や四角を描こうとしたのかが全く分からない。

 

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SOMPO美術館で行われた「モンドリアン展」を見ればなにかヒントを得られるのだろうか。

 

モンドリアンがこの線と四角で構成された作品を確立したのは1921年頃だという。
その当時50歳くらいだ。
そこに至る迄の彼の若き頃、どんな絵を描いていたかというのは本展で、良く分かる。

 

例えば30歳のころ描いていたのが《ダイフェンドレヒトの農家》みたいに、農村や牛といったバルビゾン派みたいな土臭い、ダークな色調の風景画だった。
こんな絵から画家人生が始まったのかなと思うと意外な感じだ。

 でもちょっとここで彼らしい特徴が見受けられる。
農家の建物を描いてみれば、屋根の三角や壁の四角を妙に印象的に描く。
牛を描いてみれば、顔や角には重きを置かず、胴体が画面中央にドンと陣取ってしまう。

彼は物の表面というものに興味があったのだろうか。

 

その後神智学にかなり傾倒したらしいが、その神智学というのは本当に難しい。

神智学は宗教ではありません。神聖な知識または神聖な科学です。また、神智学はあらゆる宗教、真理のエッセンスです。その真理の一滴があらゆる宗教の基礎となっています。比喩的に言いますと、この世の宗教はプリズムによって分解された7色の光のどれかです。それぞれの色の光は、その色の違いによって互いに攻撃しあったり、偽物だとののしったり、無視したりします。しかし、人間の認識が成長するにつれ、色のついた光は次第に色あせ、最後には永遠の真理である白光を見るようになるでしょう。それこそが神智学です。

 (神智学の教え | 神智学協会より)

 

以前神智学と芸術について調べた事があったけれど、さっぱりわからず降参した。
この作品が「神智学の影響がありました」といわれる、例えばとても愛らしい《少女の肖像》などだけれど、どこがどう影響があるのか凡人には良く分からない。

 

その後、キュビスムの影響を受けた作品や「デ・ステイル」に参加したりと様々な経験を経て、あの直線と四角のコンポジションに辿り着いたようだ。

抽象画の中では音や熱を感じるようなカンディンスキーたちに比べて、モンドリアンは「冷たい抽象」と呼ばれる。

 

本展に出展された《ドンブルグの教会塔》や《砂丘》の連作を見ているとモンドリアンの興味は、何かを見て感情がフツフツと沸き上がってくるというタイプでなく、「これは何でできているんだろう」的な分析が先に来るタイプの人なんだろうなと思った。

 

つまりは「理論派」とか言われる理屈っぽいタイプの人なのかもしれないけれど、私的には、そういうタイプの人の頭の中って割と興味あるな。

 

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「あやしい絵展」@東京国立近代美術館

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https://ayashiie2021.jp/ ←あやしい絵展 公式サイト


待ちかねた本展の会期最初の週末。
行ける時間枠にたった1枚あったネット予約枠を得て会場に向かうと、そこには長蛇の列。

事前予約なしでも、行列覚悟なら観覧できたのか。
いや、でも、密。

その長蛇の列を横目に思うこと。
「あー、この展覧会、キュレーションの勝利だわ。」

 

このご時世、海外から有名な作品を引っ張ってくることも出来ない。

当然この展覧会で出展される作品は国内の、ほぼ常設で見られる作品が多々。

類似テーマ、同作品が、千葉市美術館や弥生美術館などで何度も展示されていた上、小村雪岱ときたら三井記念美術館で会期すらダブっている。

でもそれらがそれほど話題にならず、本展の集客が抜群なのは「あやしい絵展」というテーマの妙なのだろう。

 

甲斐庄楠音や秦テルヲなど、巷では知名度はほぼないだろう。
そういう作家たちの名前を掲げた展覧会よりもズバリ「あやしい」とグルーピングしたところがウマイのだ。

大正趣味、あやしいフェチの私にとって、彼等「あやしい」グループの作品たちが話題になってくれることほど嬉しいことはない。
そして本展、ほぼ撮影OKなのでSNS時代にはありがたい。

 

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甲斐庄楠音《畜生塚》1915年頃 京都国立近代美術館

京都人である甲斐庄楠音にとって《畜生塚》とは、京都・瑞泉寺にある畜生塚に他ならないだろう。

秀吉の逆鱗に触れて自害させられた秀次と共に処刑された三〇余りの妻妾たち。

彼女たちの悲鳴と祈りが聞こえてきそうな大作だ。

一人の男と出遭ったがために運命を狂わされた女性たち。
時には愛憎劇も繰り広げた間柄でもあっただろうが、悲劇の土の中では互いにいたわり合うことしかできない女たちだ。

 

 

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島成園《無題》 1918年 大阪市立美術館

自画像とも言われる本作だが、成園には顔に痣がなかったそうだ。

「痣のある女の運命を呪ひ世を呪ふ心持を描いた」という。

顔はただの表象にすぎず、多くの女の心には痣があるはずだ。

描きかけの草花図を前に「これが私が選んだ道」という覚悟の女。

その女の鋭い視線にさらされる私。

貴女には貴女の道を生きる覚悟があるのか。

女に突き付けられる命題にいつまでもその場を立ち去ることが出来なかった私だ。

 

とても魅力的な作品の数々。
可愛くもあり、美しくもあり。哀しくもあり、恐ろしくもあり。

ほとんどが「女」だ。

 

なるほど「あやしい」はおんなへん。

しかし女というものはそんなにあやしいのか?

男はあやしくないのか。

 

男は女の中のあやしさを見つけては、恋をするのだろう。

女はそれを知りつつあやしさを演じているのかもしれない。

 

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Art Fair Tokyo 2021② 絵画編

前記事に引き続いてArt Fair Tokyo2021のレポです。

本記事は絵画編となります。

 

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三宅 信太郎

三宅信太郎さんのユーモラスな動物たちは、身近に置きたいアートとして最適かもしれません。

三宅さんはアール・ブリュットにも影響された作家さんだとのことで、偏執的な模様があったり、通常では見ないであろう方向から見た動物には、そういう部分が現れているのかもしれません。

ただカワイイというよりも、少し毒を帯びた感じの動物たちの視線は、こちらを見透かしているようにも感じるものです。

 

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川内 理香子

 川内さんの作品は、どこかに必ずセクシャルなニュアンスがあって、ドキドキするほど官能的です。
これといった具体的なものが具体的に描かれているわけではないけれど春画を見るような恥ずかしさがあると私には思えます。
本作はそれらから比べると毒が少ない感じです。

これなら堂々とリビングに飾れる?
そう思わせるところでどこか川内さんにしてやられているところがあるのかもしれません。

 

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大久保 紗也

左の作品のマテリアルが面白かった。
トタンの凸凹を活かして、絵の具を押さえつけている感じです。
たぶん絵具が塗られている平面にトタンを押し付けて着色しているんじゃないかなぁ。
こういう質感は初めて見たような気がして新鮮でした。

 

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甲斐 千香子

作品を見ていたら、甲斐さんからお声をかけていただいて作品についてお話をしていただきました。

この作品は水蒸気やら空気やらを取り込んで、またそれを発している植物の状態を表しているそうです。

植物はただ佇んでいるように見えるのですが、私もガーデニングをしていて感じることは、植物の呼吸やらの生きようとする貪欲さがすさまじいいきものです。

そんな感じが伝わってくる作品でした。

 

次に紹介する2人の作家さんの作品は、「本当に欲しい!」と思った方たちです。

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東 慎也

東さんの作品は、大胆なタッチと明るく優しい色彩が特徴です。
ほのぼのとした人の表情に包容力を感じるのですが、その反面なんとなくもの悲しさも感じさせるところが、一筋縄でいかない、そしていつも飽きずに眺められそうな気がして、身近に置いておきたくなるところでしょうか。

なんと初日に完売してしまったそうです。

 

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平子 雄一

平子さんの作品には、樅木にトナカイの角が生えたような男の人が登場します。
私は勝手に「クリスマス男」と名付けていたのですが。

自然破壊への警鐘やクリスマスという特別感などが表現されているのでしょうか。

平子さんの小さな作品をいくつか家のあちこちに飾って、その前を通るたびに「ふふっ」とほほ笑んで日々を豊かに過ごしたい。
そんな気持ちにさせる作品たちです。

 

アート・フェアというのはこういう雰囲気なのかという初体験でした。

どのブースに人が集まり、人々がどんな感想を述べているのかを小耳にするのも楽しいし、なにより作家さんと直接話ができたり、作家さんを日ごろ支えているギャラリーの方のお話を聞くのもとても楽しい。

そう考えると、言葉は悪いけれど美術館とは少しカビの生えた遺品置き場のように思えてしまいました。

それくらいアート・フェアが生き生きとした場だったということです。

 

また付け足しのお話ですが、このフェアで岡本神草の小さな軸装がさりげなく置かれていたり、100年ぶりに見つかった村山槐多の木炭が誰にも目にとめられず素通りされていたりしました。

近代絵画を専門としている私としては、ちょっと残念な、しかしこれが現況なのかなあなどと現実を見た思いでもありました。

Art Fair Tokyo 2021① 造形編

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Art Fair Tokyo 2021 会場風景

コロナ禍の影響で昨年は中止となったArt Fair Tokyoが今年は無事開催されました。

今迄アートは「観るもの。そして美術館に在るもの。」と思っていた私も、そろそろ「現代を生きる作家さんにも目を向け、できるなら所有もしたいな。」と考えるようになりました。

 

今の職場の上司(と言ってもずっと私より若い)がアーティストを目指していた人なので、良く作家の立場からの話を聞くのですが。

日本人は現代アートについてどうしても逆輸入が好きだよね、という話をします。

もっと自分の見る目を信じていいと思います。

 

では所有するアートという観点で観ると、美術館で感動するものとはちょっと異なってくると思いました。

例えば、フランシス・ベーコンエゴン・シーレなんて辺りが私は好きで、美術館ではずっと観ていられるタイプの作品ですが、それが家に在ったらどうだろう。

落ち込んだ日にこれを観てたら、絶対欝がひどくなるよな。

 

そんな感じで今回は、パワーや安らぎを感じられそうな作品や作家さんに注目して紹介してみたいと思います。

 

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四代目田辺竹雲斎

四代目田辺竹雲斎さんの作品は小さなものもありましたが、この作品は人と比べたら大きさが想像つくと思いますが、本当に巨大な作品。
もちろんこんな作品は我が家には入らないのですが、竹で組み上げた凄さ。
パワーを感じます。

 

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岩崎 卓

岩崎卓さんは、岩とガラスを組み合わせた作品をいくつか出展していました。
この作品は卓上における大きさですが、もしも家に在ったら水族館の様に思えると感じました。ガラスの中をのぞいては、存在するはずのない水の揺らぎや魚の影を探してしまうような気がします。

 

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彦十蒔絵

この鋏は、木製に漆を塗って出来た作品。実は三井記念美術館で以前これを観ていて、印象に残った作品でした。
たまたまギャラリーの方(古美術鐘ヶ江)とお話ができ、持たせていただくことが出来ました。

人が知っている鋏の重さを裏切るという意味で、楽しい作品です。

また同じギャラリーで三井記念美術館で見た「枯百合」の作家さんが出展している作品も教えていただきました。↓

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松本 涼

お名前や薄く彫られた繊細な作品のイメージから、勝手に楚々とした女性の作家さんだと思っていましたが、大柄な男性の作家さんだそうです。

確かに木を彫るというのは力技なのでしょうが。
どんな方が創られたのかを知れることも楽しいことです。

 

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小坂 学

小坂さんのすべての作品は、マテリアルの欄に「ケント紙」と書かれています。
スニーカー、時計、電子機器など。その再現力に圧倒されます。

これも前出の鋏と同様、持ち上げてみたらとても軽いことでしょう。

 

だいぶ長くなりました。
ここまで造形編ということで、一旦筆をおきます。

 

Art Fair Tokyo 2021 ② 絵画編 へつづく

トライアローグ 語らう20世紀アート @横浜美術館

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https://yokohama.art.museum/special/2020/trialogue/index.html

横浜美術館はこの展覧会を終了すると、2021年3月1日(月)から大規模改修工事にともない長期休館に入る。

親しみのある地元の美術館に行けなくなるのは寂しくて、見納めのような気持ちで本展に出かけた。

コロナ禍で海外との往来が不自由になってしまった今、美術館の役割も色々と変わらざるを得ない。

例えば海外から作品を借り入れての展覧会を行うことがほとんどできず、各館はさまざまに企画を工夫しているようだ。

この「トライアローグ」もその一つで、横浜美術館富山県美術館・愛知県美術館の3館がタッグを組んでそれぞれの所蔵品を持ち寄って巡回展を開いた。

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それぞれ20世紀西洋美術というキーワードのもとに集めたお宝を一堂に会すると、まさに壮観だ。

海外からお金をかけて作品を呼び寄せなくても良いんじゃないだろうか。なぜこのような企画が今までなかったのだろうか。コロナで失った大切なものは数多いけれど、知恵を出して得たものも多かったのかもしれないと、思う。

 

ピカソから展示がはじまるところから、ドキドキは止まらない。
全く異なる作風の4枚の女性は、ピカソの天才性を現わす。私は《肘掛け椅子の女》(1923年、富山県立美術館蔵)をうっとりと見る。モノクロの静かなたたずまい。柔らかな白の絵具が女性を照らす光をなぞる。少ない筆数だけで女性の柔らかな体のまろみを表すなんて、なんという画力なんだろう。左上に記された赤い絵の具のサインが小粋だ。

 

ジャック・ヴィヨンの《存在》(1920年愛知県美術館蔵)は、「構造的分解」により分解された人物。それは偉大過ぎる父の存在で、右にあるその影は息子のよう。息子は父の大いなるその存在に、自らの存在を図形の下方へ奥深く沈めていくしかないような悲しみを感じる。それは父と子というより、虚構と実なのかな。おそらく形(存在)の追求を極めたに過ぎない作品に、少し思い入れが過ぎただろうか。

 

人びとは暗い色調の《少女が見た湖の夢》(マックス・エルンスト、1940年、横浜美術館蔵)の前を一瞥して通り過ぎていく。私はなぜか惹かれて、結界のぎりぎりに立ち、この画面を探索する。暗い部屋に暫く居ると徐々に目が慣れて、鮮明に見えるように、この画面に描かれている怪物たちが見えてくる。鋭い爪、恐ろしい形相の怪物たち。右下に裸体の少女がここから逃れようとしている。しかし少女もまたこの暗い湖畔の森の色に今まさに同化せんとしている。少女は、この夢から覚めて慄いたのだろうか、泣き叫んだのだろうか。

 

ポール・デルヴォーに登場する女性たちはみな不思議だ。どれもマネキンの様に妙に永遠だ。《夜の汽車》(1947年、富山県美術館蔵)の3人の女性もきっと永遠にそこに、そのまま居るだろう。3人の視線は交わらず、きっと言葉も交わさない。開いた眼には何も映らないだろうし、瞬きもしない。待合室だというこの部屋は、夜の汽車で運ばれた男を待つ部屋なのだろうか。右手の女性が持ち上げた乳房を、やって来た男が愛撫したところで、彼女は身じろぎもしないだろう。

 

横浜美術館は、2月28日まで。

その後、愛知県美術館(4月23日~6月27日)、
富山県美術館(11月20日~2022年1月16日)と巡る予定だ。

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「桑久保徹 A Calendar for Painters without Time Sense.12/12」 @茅ヶ崎市美術館

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桑久保徹@茅ヶ崎市美術館

茅ヶ崎市美術館で2月7日まで開催されている「桑久保徹 A Calendar for Painters without Time Sense.12/12」 を観に行った。

 

現代に生きる桑久保徹が12人の巨匠のアトリエ(スタジオ)をイメージして描いた12枚の作品を「カレンダーシリーズ」として展示した本展。

 

 

出品リストは下記の通り

1月:パブロ・ピカソのスタジオ

2月:エドヴァルド・ムンクのスタジオ

3月:ヨハネス・フェルメールのスタジオ

4月:ジェイムズ・アンソールのスタジオ

5月:ポール・セザンヌのスタジオ

6月:ピエール・ボナールのスタジオ

7月:ジョルジュ・スーラのスタジオ

8月:フィンセント・ヴィレム・ファン・ゴッホのスタジオ

9月:デイヴィッド・ホックニーのスタジオ

10月:ルネ・マグリットのスタジオ

11月:アメデオ・クレメンテ・モディリアーニのスタジオ

12月:アンリ・マティスのスタジオ

この12人のチョイスはなかなか趣味がいい。

 

すべて同じサイズのカンヴァスで181.8×227.3cmという大迫力である。

その大きな画面に海の風景が描かれており、その風景の中にそれぞれの作家の作品と彼らのアトリエ周辺にあったであろう持ち物が無数に描き込まれている。

 

それを12枚の「カレンダー」という形態でまとめたのは、桑久保にとって部屋に飾る「名画カレンダー」の存在が身近な絵画鑑賞体験であったからだという。

 

コロナ禍での開催の為か、平日に来館した為か、美術館にいた鑑賞者は10人足らず。

展示室は私一人になる瞬間が何度もあり、大画面が並ぶ空間を自由に立ちつくし、また行きつ戻りつできる時間はなんとも贅沢だ。

 

なにしろ細かい描き込みに圧倒される。
中には数センチほどの中に名画が見事に模写されているその画力は素晴らしいものだ。
美術ファンなら自分の好きな作品を画面の中から探し出すのは、宝探しの様にワクワクするだろう。
例えばピカソの《アビニヨンの娘たち》やムンクの《叫び》という代表作が見つけられなかったのだけれど、なぜ桑久保がそれぞれの作品を描き、また描かなかったのかと考えるのも楽しい。

 

海の風景もそれぞれの巨匠たちの内面を思わせるようだ。

スペインからフランスに渡ったピカソの永遠に越えられないような寒々とした海。
対岸の華やかな夜景に憧れながら、暗闇に孤独なスポットライトが当たったようなゴッホの浜辺。

砂漠の様に乾いた暑い砂の向こうに遥かなオアシスを渇望するかのようなモディリアーニの海。

閉じ込められた部屋の中から見える桃色に輝く夕焼けに輝く美しいマティスの波間。

まるで巨匠たちの心の中のアトリエを訪問しているようだ。

 

この展示室にいて、桑久保のフィルタを通した巨匠たちといつまでもいつまでも対話していたいと思わせる展示であった。

 

この図録もマットな紙質の印刷と沢山遼の対談(個人的に沢山氏のファンなので、余計)が掲載された洒落たものだ。

ただ、印刷された作品では、作品本来の持つ絵具の盛り上がりの迫力や色気のある艶やかさが失われているのは残念。

ぜひ、美術館で堪能してほしいところ。

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桑久保の個展が開かれるのは公営の美術館としては初の試みという。

天晴、地元の美術館。

 

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www.art-it.asia

 

 

わかりやすいアートなんて

一年ぶりになるでしょうか。

おひさしぶりです。

やっと修士論文を書き終えたので、マイペースで駄文を綴っていこうと思ってます。

 

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さて、少し前になりましたがNHK日曜美術館」で「STARS それぞれのデビューから現在」が放映されていましたが、ご覧になりましたでしょうか。

www.nhk.jp

そこで、村上隆氏と李禹煥氏の対談があり、ヘドバンして同意しました。

近年の日本は、「解りやすくさせなきゃいけない」という風潮がある事、専門家が自分の専門で戦うことを辞め入門書ばかり書いている事、それが文化をだめにしているということをお二人が話していました。

 

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「みんなのためのアート」的なトークや「だれでも楽しく気軽にアートが作れるよ」的なワークショップがあるのですが。

確かにそういうの、楽しいし、否定はしないけど。

それって「アート」?かな。

「アートごっこ」、でしょ。

 

芸術を英語でいうとアートだけど、ニュアンスとして芸術=アートじゃないよね。

 

とある公的な団体で、著名な講師の先生から対話型鑑賞の講習を1年間受けて、ボランティアを始めたのだが、挫折して、辞めた。

 

子どもでも、先入観なく、楽しく、好きなように、自由に、鑑賞をして、自分の意見を好きなように言うことを応援しよう!

 

というのが、私、ダメだ。

 

芸術作品(アートとはあえて呼ばない)は、その作家が死ぬくらい考えて、気が狂いそうなぐらいの集中力で、作り上げた作品。

作者の手からリリースされたら自由になるよ、というのはわかるけど。

そんな扱いでいいんかい?

 

 

たった5年間だけど美術史を学んでみた経験から、作品の社会的背景、芸術的なコンテクスト知った方が、ずっとずっと豊かに楽しく鑑賞ができることがわかったよ。

 

どうして日本の美術教育は、それを学ぶ機会を奪っちゃうんだろうか。

 

ボランティア仲間にそれについて議論吹っ掛けたら

「みんながあなたみたいにおべんきょうがすきじゃないんだよ。」

「子供たちはおべんきょうというだけでアレルギー反応出る子もいるんだよ。」

と言われてしまったよ。

 

その飲み会で喧嘩をしたくなかったから、持論ひっこめたけど。

 

それはおべんきょうの楽しさを教えられない大人の責任じゃないか。。。と思う。

 

そもそもさ、芸術って選ばれた富裕層、知識人のためのものじゃなかったのか?

 

平等に、誰にでも、開かれた、楽しく、易しいアート。

 

なんか、それって胡散臭いぜ! 

 

って思わない?

 

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